Art Record Covers, critique de livre

Un aperçu complet de certaines des œuvres d’art les plus mémorables de l’histoire de la musique

De The Velvet Underground à Patti Smith, Kanye West et Lady Gaga, les pochettes de disques sont un art abordable pour les fans de musique de tous les jours

Un regard perspicace, intrigant et complet sur la vaste histoire de l’œuvre d’art arrive sous la forme de Art Record Covers [Taschen].

Dans son introduction, l’auteur Francesco Spampinato – qui termine actuellement un doctorat à la Sorbonne Nouvelle à Paris – explique comment les disques sont une occasion de retirer une partie du caractère sacré de l’art contemporain et peuvent être perçus comme la manière d’échapper aux contraintes imposé par le monde de l’art.

Le livre a été soutenu par l’intérêt de Spampinato dans la relation entre l’art et la culture pop; sa double approche de la musique et du son «du point de vue d’un historien de l’art contemporain et de la culture visuelle, et en tant que passionné, auditeur et collectionneur de musique».

Il examine un éventail impressionnant de couvertures d’artistes célèbres – des graffiti de Blairsy pour Blur, le crâne de Damien Hirst pour The Hours, la banane Velvet Underground de Warhol et le papillon de Dali sur Lonesome Echo de Jacke Gleason .

Une section sur la façon dont l’art de Banksy a été utilisé note que la majorité a été présentée officieusement et souvent sans autorisation, parce que l’artiste est si difficile à saisir et donc en demande.

Un cas rare où Banksy a volontairement offert son travail comme album d’art était pour sa collaboration avec Danger Mouse, suite à la cascade de la guérilla, où ils ont illégalement placé 500 exemplaires du premier album de Paris Hilton dans les magasins du Royaume-Uni.

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Le livre présente également des interviews des artistes et des musiciens eux-mêmes: une question particulièrement pertinente demande à Shephard Fairey d’Obey Records comment il introduit dans son propre travail l’attitude rebelle et provocatrice de genres comme le punk et le hip hop, afin de refléter le la musique.

Un autre regard sur The Velvet Underground & Nico , un album qui a 50 ans cette année et qui revendique peut-être le travail le plus emblématique et reconnaissable de l’art de l’album de tous les temps.

L’oeuvre elle-même, couvrant 500 couvertures différentes dans un tome de 448 pages, est richement colorée, diversifiée et arrangée avec amour, de sorte que le lecteur peut profiter de passer d’une page à l’autre pour trouver ses favoris; ou pour permettre une analyse plus approfondie de l’histoire de chaque œuvre et de son artiste respectif, montrant comment le pop art, le postmodernisme et l’art contemporain ont influencé la diffusion des images au fil des ans.

Bien sûr, il jette un coup d’œil sur les classiques – le portrait exquis de Patti Smith pour Horses de Mapplethorpe est juste un exemple – mais il évite également de répéter ce qui a déjà été dit en regardant aussi Jeff Koons pour Lady Gaga et Takashi Murakami pour Kanye West.

Dans une année où les ventes de vinyles devraient encore augmenter après une année record en 2016, il s’agit d’un regard important sur la façon dont le format de disque physique est une œuvre d’art abordable mais néanmoins précieuse pour les fans de musique de tous les jours.

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Turner Prize 2018: 10 gagnants mémorables du controversé prix de l’art contemporain

De l’embaumement des bovins de Damien Hirst aux vases explicites de Grayson Perry, l’accolade a continué à susciter de vifs débats depuis sa création en 1985

La liste des finalistes pour le Turner Prize 2018 a été annoncée la semaine dernière , avec quatre artistes émergents en lice pour l’honneur et l’aubaine de 25 000 £ qui l’accompagne.

Forensic Architecture, Naeem Mohaiemen, Charlotte Prodger et Luke Willis Thompson sont les participants de cette année, tous des créateurs vidéo centrés sur «les problèmes politiques et humanitaires les plus urgents de l’époque», selon Alex Farquharson, directeur de Tate Britain .

Le gagnant sera annoncé le 25 septembre.

Les réactions aux nominations se sont considérablement atténuées au cours des dernières années, mais dans les années 1990, époque à laquelle la distinction était considérée comme un événement clé dans le calendrier «Cool Britannia», elles constituaient une source de discorde sérieuse.

Le groupe Turner était régulièrement piqué par les Stuckists, un groupe de protestation appelant à un retour à la peinture figurative, qui manifestait devant la Tate Britain habillé en clowns portant des pancartes le qualifiant d ‘ »agence de publicité financée par l’Etat pour Charles Saatchi « . être rebaptisé « Prix Duchamp pour la destruction de l’intégrité artistique ».

The Guardian a été amené à se demander si l’article de Fiona Banner, Arsewoman in Wonderland en 2002, constituait de l’art ou de la pornographie, posant la question à la star de cinéma adulte Ben Dover (« Le porno est le nouveau rock and roll est une justification verbale pour cela.Il permet à tous les Islingtonites de descendre sur les trucs sexy sans sanctionner le porno « ).

Le ministre de la Culture Kim Howells a rejeté le prix comme « conceptuel b ****** t », à la joie du prince Charles , la même année.

Les vaches de Damien Hirst conservées dans le formaldéhyde sont sans aucun doute parmi les spectacles les plus emblématiques et les plus discordants, avec My Bed (1998) de Tracey Emin , qui n’a pas vraiment gagné mais était assez connu pour inspirer les artistes de performance Yuan Chai et Jian Jun Xi. propose une riposte, mettant en scène une bataille d’oreillers parmi ses draps avant d’être enlevée par la sécurité.


Tous deux étaient synonymes du mouvement des jeunes artistes britanniques et ont été étroitement associés à l’esprit des cigarettes et de Chablis du moment.

Le Prix Turner peut être décrié dans certains milieux comme prétentieux ou délibérément oblique mais, comme Fourth Plinth de Trafalgar Square , il offre une occasion rare de mettre l’art contemporain stimulant et immersif devant le grand public et pour ce service seul mérite d’être coupé.

Dans cet esprit, voici un bref retour sur certains de ses nombreux gagnants mémorables.

Gilbert et George, 1986

Le duo – célèbre pour s’habiller et ressemblant à des directeurs de banque cohabitants – a gagné pour l’un de leurs collages psychédéliques inspirés de vitraux dans la deuxième année de la vie de Turner (le peintre Howard Hodgkin a remporté le premier).

Ils se sont distanciés de l’honneur, cependant: « Nous n’aimons pas les prix, nous sommes en dehors de tout cela. »

Rachel Whiteread, 1993

La Maison de Rachel Whiteread 1993 (Sue Omerod )
Mme Whiteread est devenue la première gagnante de Turner pour House , une sculpture réalisée en utilisant une maison abandonnée dans l’est de Londres comme un moule, en la remplissant de béton liquide et en enlevant la fonte extérieure pour créer un «fossile».

La nature discordante de la récompense a été soulignée quand elle a également gagné le Prix Anti-Turner de cette année, la nommant « le pire artiste en Grande-Bretagne » et a vu son projet rejeté comme « gigantisme méritoire » par le critique Brian Sewell , un traditionaliste convaincu que l’ouverture d’une galerie dans le Nord-Est a empêché les Londoniens «plus sophistiqués» de voir de nouvelles expositions.

Antony Gormley, 1994

M. Gormley, qui se sentait si différemment à M. Sewell qu’il allait plus tard concevoir l’ Ange du Nord , a gagné pour Testing a World View .

L’œuvre consistait en une installation de cinq figures identiques en fonte, courbées à la taille, disposées autour de la pièce dans différentes positions pour poser des questions sur l’espace architectural et sur la façon dont la posture humaine transmet l’humeur.

Damien Hirst, 1995

Incontestablement l’une des œuvres d’art les plus célèbres au monde, Mère et enfant divisé de M. Hirst a présenté quatre cuves en verre abritant une vache et son veau sectionné en deux, les carcasses en suspension dans du formaldéhyde.

Le travail a développé une idée que Hirst a présentée pour la première fois en 1991 lorsqu’il embaumait un requin tigre dans L’impossibilité physique de la mort dans l’esprit de quelqu’un qui vivait .

Le travail de Damien Hirst en 1991 «L’impossibilité physique de la mort dans l’esprit de quelqu’un qui vit» (PA)
Le punk rock Renaissance Billy Childish, un ancien petit ami de Tracey Emin et fondateur de Stuckist, a donné l’une des évaluations les plus claires de Mr Hirst et de son corpus dans la chanson « Art or Ass You » (You Be the Judge) : « Damien Hirst a son poisson dans un aquarium / Certains disent que c’est de l’art, d’autres pensent que c’est w ** k ».

Gillian Wearing, 1997

Gillian Wearing (Immo Klink)
60 Minutes of Silence , le film de Mme Wearing, immobile pendant une heure déguisé en policier, est peut-être le meilleur souvenir d’une discussion en direct sur Channel 4 que Mme Emin a pris d’assaut alors qu’elle était en pleine forme, une controverse déterminante associé au Turner.

Mme Wearing a dévoilé la première statue d’une femme de la place du Parlement , la suffragette Millicent Fawcett, lors d’une cérémonie à Westminster, fin avril de cette année.

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Chris Ofili, 1998
Quand il s’agit de matériaux, les peintures de portrait de Chris Ofili composées d’excréments d’éléphants enduits de résine de polyester prennent quelques coups. Sa réaction était aussi rafraîchissante: « Oh mon Dieu, merci mon dieu, où est mon chèque? »

L’un d’eux, No Woman No Cry , citait Bob Marley et représentait de manière poignante une femme noire pleurant le meurtre de l’adolescent Stephen Lawrence à Eltham, au sud-est de Londres, un crime qui avait choqué la Grande-Bretagne en 1993 et ​​avait vu sa mère Doreen enquête sur l’enquête de police ratée subséquente.

Steve McQueen, 1999
M. McQueen , qui allait devenir un réalisateur hollywoodien admiré et faire Hunger (2008), Shame (2011) et 12 Years a Slave (2013), a été le premier cinéaste à remporter le Turner.

Nominé pour ses courts métrages en noir et blanc de 16mm dont Bear et Deadpan , dans lequel il a recréé un stunt Buster Keaton bien connu de Steamboat Bill, Jr (1928), M. McQueen a été quelque peu éclipsé dans l’imagination publique par le lit défait de Mme Emin. .

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Martin Creed, 2001
Travail n ° 227: Les lumières qui s’allument et s’éteignent font exactement ce que son titre suggère, étant une installation dans laquelle une pièce vide est plongée par intermittence dans les ténèbres.

La pièce en a confondu quelques-uns et en a exaspéré d’autres, avec une autre artiste, Jacqueline Crofton, qui l’a bombardée d’œufs. Madonna a ajouté à la fureur quand elle a crié « Droit sur, m ******** s! » en direct à la télévision, avant le tournant de 21h, lors de l’annonce de Martin Creed en tant que gagnant.

Ben Dover l’a aimé cependant.

Grayson Perry, 2003

Grayson Perry avec son travail (Rex)
Salué comme « le premier potier travesti à gagner le Turner » (« Nous savons de », il ajoute), Grayson Perry a été honoré pour ses vases en céramique classiquement beaux peints avec l’imagerie satirique – et souvent sexuelle – contemporaine.

Acceptant le prix sous le nom de « Claire », son alter ego et portant une robe de soirée victorienne superbement brodée, M. Perry devint rapidement un trésor national.

Maintenant, travaillant principalement dans la tapisserie, il est depuis devenu un diffuseur populaire, abordant des thèmes liés à la classe sociale et le visage changeant de la masculinité sur Channel 4.

Sélection du Turner Prize 2018: en images
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montrer tout
Il a remporté d’énormes applaudissements pour ses BBC Reith Lectures 2013 «Playing to the Gallery», une bonne introduction au monde souvent troublant de l’art moderne que vous pourriez souhaiter.

Susan Philipsz, 2010
L’une des gagnantes les plus intéressantes a été Susan Philipsz d’Écosse, la première à avoir gagné pour un travail entièrement sonore.

Un enregistrement de l’artiste chantant la barque traditionnelle « Lowlands Away » sous les ponts de Glasgow a été joué par des haut-parleurs dans la galerie d’exposition, conjurant un sens évocateur de lieu et le passé nous rappelant le temps avec des mots anciens.

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Art contemporain et jeux vidéos

Art Contemporain, les news

Les installations immersives utilisant la technologie des jeux vidéo: «En termes de compréhension de ce que c’est, nous sommes au début»
Eno et le concepteur de logiciels Peter Chilvers sont parmi les premiers artistes musicaux majeurs à explorer le potentiel artistique des technologies immersives développées principalement pour l’industrie du jeu vidéo.

De petites bulles colorées flottent toujours plus haut, grandissant à mesure qu’elles s’élèvent vers le ciel. Les gens dérivent dans un cercle de six écrans imposants, portant des visières holographiques 3D de haute technologie, comme des marcheurs de la lune qui font leurs premiers pas dans une atmosphère extraterrestre.

Ils tendent le bras et utilisent leurs pouces et leurs index pour pincer l’air devant eux. Chaque fois qu’ils le font, de nouvelles bulles apparaissent, et chacun émet un seul son musical précis.

Les tons se combinent et se dissipent. Il y a le son des grillons qui chantent, et des vagues de bruit blanc.

C’est Bloom: Open Space , une installation d’art et de musique créée par le producteur influent et pionnier de la musique Brian Eno et son collaborateur fréquent, le musicien et concepteur de logiciels Peter Chilvers. Il était situé à l’intérieur d’un énorme entrepôt dans le Westergasfabriek, un parc municipal et un complexe culturel à Amsterdam qui était autrefois une usine à gaz.

Eno et Chilvers sont parmi les premiers artistes musicaux majeurs à explorer le potentiel artistique des technologies immersives développées principalement pour l’industrie du jeu vidéo. D’autres musiciens, tels que Thom Yorke de Radiohead et Tarik Barri, entrent dans ce domaine «immersif» en utilisant des outils tels que des casques de réalité virtuelle, des lunettes holographiques à réalité mixte et des systèmes ambiophoniques immersifs.

«C’est le bon moment pour les artistes qui utilisent cette technologie», explique Nick Meehan, président fondateur et directeur artistique de l’Institut pour le son et la musique à Berlin, qui construit une structure de projection à six écrans et son surround appelée l’Hexadome ISM.

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Plus tard ce mois-ci, Eno dévoilera un autre travail immersif dans l’ISM Hexadome, qui sera présenté pour la première fois dans l’atrium du musée Martin Gropius-Bau à Berlin, où il sera rejoint par d’autres artistes dont Yorke, Barri, le compositeur et producteur Ben Frost (en collaboration avec l’artiste visuel MFO) et les artistes sonores Holly Herndon et Peter Van Hoesen.

Après le spectacle de Berlin, la structure mobile fera une tournée en Europe et en Amérique jusqu’en 2019. Neuf œuvres créées à Berlin formeront la base de la tournée, avec les nouvelles mises en service ajoutés aux arrêts suivants, jusqu’à ce que la présentation en compte plus de 20. Berlin en septembre 2019.

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« Nous voyons le début de la vague, pas encore la crête, de ce qui va arriver », dit Meehan. En plus de la réalité virtuelle et de la réalité augmentée, ce qui est en train d’émerger, c’est «la technologie spatiale où tout le monde vit quelque chose ensemble».

Eno dit qu’il a vu Bloom: Open Space , qui a eu une course limitée de cinq jours ici le mois dernier, comme « le début d’une expérience » avec ces nouvelles technologies. Il est basé sur Bloom, une application pour smartphone de 2008 créée avec Chilvers, qui génère également des bulles et des sons lorsque l’on appuie sur l’écran du téléphone. Son évolution immersive a été «une sorte de démo pour voir jusqu’où nous pourrions aller avec la technologie telle qu’elle est en ce moment», dit Eno.

Eno n’est pas entièrement enthousiaste sur les perspectives. « Je pense qu’il y a quelque chose », dit-il, de manière ambiguë. « Je suis très conscient des limites, mais je suis également attentif aux possibilités. » Mais il est attiré par le potentiel. « Je veux pouvoir être à l’intérieur de la musique, me promener et l’examiner de différents endroits », ajoute-t-il. « Je ne pense pas que ce soit un remplacement pour d’autres expériences musicales. Je pense que c’est une chose facile à ajouter.  »

Barri, qui a réalisé des vidéos pour Radiohead et fait une tournée avec le musicien électronique chilien-américain Nicolas Jaar, crée des effets vidéo en direct lors de ses concerts. Au cours de la dernière décennie, il a développé son propre logiciel, Versum, qui crée ce qu’il appelle un «monde virtuel 3D en temps réel» qui réagit à sa contribution.

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Au cours d’une performance en direct, Barri se trouve au centre de l’Hexadome et guide le public à travers une composition musicale dans son monde virtuel, en utilisant un joystick. « Nous, les auditeurs, les téléspectateurs, nous allons commencer à un moment donné dans l’espace, et ensuite, où nous nous déplacerons, nous déterminerons ce que nous voyons ou ce que nous entendons », explique-t-il. « Cela dépend vraiment de la façon dont je bouge quelle musique sera entendue. »

Barri n’utilise pas de lunettes de réalité virtuelle parce qu’il pense que «quelque chose collé à votre visage» est gênant et restrictif. Il dit qu’une grande partie de la technologie en cours de développement n’a pas de musiciens à l’esprit, donc la seule façon pour lui de créer le travail qu’il veut est de « vraiment plonger intensément dans la programmation ».

Eno performer avec Roxy Music au début des années 1970 (Rex)
Eno, un des premiers membres du groupe Roxy Music, a eu une longue carrière de technologies de flexion pour ses objectifs sonores alternatifs, comme l’utilisation de plusieurs cassettes dans les années 1980 pour créer des sons superposés et non synchronisés ou l’utilisation de 12 projecteurs haute puissance contrôlés par ordinateur. pour projeter des visuels pour sa pièce musicale « 77 millions de peintures » à travers les voiles de l’Opéra de Sydney en 2009.

« Cela va changer, bien sûr », ajoute-t-il. « La technologie deviendra de plus en plus transparente, et son utilisation deviendra moins difficile. À l’heure actuelle, il est difficile de se rappeler que vous n’essayez pas seulement de faire fonctionner le système, mais aussi d’essayer de faire quelque chose qui en vaut la peine.

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Paris Art Fair ouvre ces portes

Paris Art Fair

Représentant l’essence de l’art européen, Art Paris Art Fair a rouvert ses portes pour célébrer toutes les formes d’expression artistique.

Ville la plus peuplée de France, elle est quatrième parmi les aires urbaines européennes derrière Moscou, Istanbul et Londres et la 29e plus peuplée du monde. Paris compte 2,21 millions d’habitants au 1er janvier 2015. L’agglomération parisienne s’est largement développée au cours du xxe siècle, rassemblant 10,71 millions d’habitants au 1er janvier 2015, et son aire urbaine (l’agglomération et la couronne périurbaine) comptait 12,53 millions d’habitants.

2018 marque le 20e anniversaire de l’événement, cette année 142 galeries exposent des œuvres d’art de 22 pays au Grand Palais au cœur de Paris, a déclaré le directeur de la foire Guillaume Piens à Living it.
art Paris artandsports.net
Art Paris Art Fair
La collection est basée sur des thèmes mettant l’accent sur la découverte et la redécouverte. La sélection 2018 se caractérise par l’arrivée de nouveaux arrivants – dont le Canada, la Russie et le Koweït – ainsi que par l’arrivée de galeries parisiennes renommées.

La collection offre un aperçu de l’art européen de l’après-guerre à nos jours, tout en laissant la place à des créations internationales d’Amérique latine, d’Afrique, d’Asie et du Moyen-Orient.

Une collection spéciale marque le 20e anniversaire de l’Art Paris Art Fair avec un aperçu de la scène artistique française à travers le travail de 20 artistes. Le commissaire d’exposition et critique d’art, François Piron, met en lumière les artistes qui repoussent les limites, des années 1960 à aujourd’hui, en mettant en avant ceux qui ont réussi à préserver leur indépendance ou à échapper à la culture dominante.

Art Paris Art Fair
Pour célébrer l’art étranger, la Suisse a été nommée l’ invitée d’honneur de 2018 . L’historienne de l’art et commissaire d’exposition Karine Tissot a guidé Living it à travers l’exposition juste avant son ouverture.

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Street Art à Strasbourg

Street art de Strasbourg: carte interactive identifiant les meilleures créations de la ville

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street art artandsportsEn cliquant sur différentes icônes éparpillées sur une carte de la ville française, les utilisateurs peuvent voir les emplacements d’environ 200 peintures, étiquettes, pochoirs et fresques, qui sont un type de peinture murale, parmi d’autres arts de la rue.

Si un utilisateur clique sur une icône, ils peuvent trouver une image de l’art, le créateur et quelques informations sur le travail.

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Dans un premier temps, les photographies du site n’ont été prises que par des professionnels, mais les organisateurs ont maintenant ouvert la possibilité au public d’envoyer leurs images.

« Certaines œuvres sont attribuées à de vrais artistes qui ont leurs sites et studios, d’autres sont anonymes », Julien Lafarge, directeur du NL Contest – un festival annuel qui présente de nouveaux sports urbains et des pratiques qui utilisent l’espace urbain – supervise le projet en ligne dit Euronews.

Une section du site Web appelée «conteneur» traite uniquement des bacs de recyclage des œuvres d’art.

L’une des difficultés du site est de décider quels travaux doivent être publiés et quels sont les cas de vandalisme.

«Le street art est par définition une zone non réglementée, l’artiste décidant de quoi et où dessiner, nous sélectionnons les œuvres qui peuvent être perçues comme de l’art, et non du vandalisme», explique Lafarge.

Les autorités locales de la ville française mis en place le site en coopération NL Concours avec la mairie de Strasbourg finançant la moitié du site et les organisateurs du festival l’autre 50%.

Lafarge a déclaré à sa connaissance qu’il n’y a pas d’autre ville en Europe avec un site de graffiti organisé comme StreetArtMap.

« L’idée est d’étendre éventuellement le projet à d’autres villes », a-t-il déclaré.

https://strasbourg.streetartmap.eu/

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